Peter Bretter (Jason Segel) es un músico que lucha por darse a conocer, lleva seis años con su chica, la estrella de televisión Sarah Marshall (Kristen Bell), a la que idolatra. Por desgracia, el mundo de Peter se derrumba cuando Sarah le deja y se queda solo. Su primera reacción es intentar – sin éxito – convertirse en un mujeriego. A continuación tiene una crisis nerviosa en el trabajo, y se da cuenta de que estar sin Sarah puede destrozarle la vida.

Detrás de esta delirante y sutil comedia se esconde el televisivo y ascendente Jason Segel, Marshall en la imprescindible serie de televisión ‘Como conocí a vuestra madre’, serie que pasó sin pena de ni gloria por España, pero que en EEUU es una serie de relativo éxito y lleva camino de, ya en la cuarta temporada, convertirse en una serie de culto. En paso de ti Segel se lo guisa y Segel se lo come. Escribió el guión porque su amigo Judd Apatow, director de ‘Lío embarazoso’, le recomendó reflejar su original forma de pensar en sus propios guiones. Dicho y hecho. Su primer intento ha sido Paso de ti y el resultado es muy satisfactorio. Para rematarlo el mismo ejerce de protagonista, con lo que es de suponer que su personaje es lo más cercano a la idea original que jamás hubiésemos podido ver en la gran pantalla.

Paso de ti se nutre de elementos o incluso tópicos de la comedia americana para contar una historia en la que lo más importante son los propios personajes. De modo que a pesar de utilizar un MacGuffin (excusa argumental que genera una situación o trama) simple como una ruptura de pareja y el posterior viaje del protagonista para superarlo, la historia no pierde un ápice de originalidad por los diálogos y sus extravagantes personajes. El viaje de Peter Bretter a Hawai es espontáneo, llega sin reserva alguna, y lo que allí se encuentra también es algo inesperado. Inevitablemente en dicho paraíso se reencontrará con su expareja y el nuevo ligue de esta. Pero también conocerá a la mujer que le hará olvidar su antiguo amor y, lo que es más importante, liberará una parte de Peter que el mismo nunca ha dejado salir a la superficie por la falta de confianza y el haber estado siempre a la sombra de su ex. Esa liberación, por tanto, es lo que hace avanzar al protagonista, arrastrando así la propia historia  a dicho final.
Como antes he comentado, lo mejor de esta película son sus personajes. Desde una frívola actriz de éxito como Sarah Marshall (Kristen Bell, la protagonista de la serie Veronica Mars’ y secundaria en la última etapa de la también serie de culto Heroes’). Este personaje y el protagonizado por Russell Brand permiten a Segel concentrar gran parte de sus gags en el mundo frívolo y tópico de los artistas de éxito (romances exprés, relaciones superficiales, egolatría). Con ellos comparte protagonismo el personaje que impulsa los cambios en Peter Bretter, es decir, Rachel Jansen (la también televisiva Mila Kunis de ‘Aquellos maravillosos setenta’). Una mujer espontánea, empeñada en vivir el día a día, en ser ella misma. Ella será en gran medida la encargada de hacer avanzar a Peter, clave esta última por la que finalmente será capaz de decir a Sarah Marshall la expresión que de forma errónea (la traducción no es demasiado acertada) da título a la película: paso de ti.
En definitiva, estamos ante una buena gran opción dentro del género de la comedia de los últimos años. Diversión y entretenimiento mezclados con un buen hacer por parte de los actores dan como resultado una buena película y una excelente comedia desenfadada.

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Los extraños es uno de los últimos éxitos del cine americano bajo el lema “poco presupuesto, mucha recaudación”. Da igual si la película es mala o no, lo importante es que sea rentable. Si haces una película con apenas 9 millones de dólares y recaudas más de 75, que más da como sea el producto. Pero, ¿y si el producto es de calidad? Entonces el asunto es un NEGOCIO con mayúsculas. Lamentablemente este proyecto se queda en negocio a secas. En minúsculas y dando las gracias a “el boca-oreja”.
Ante todo, al César lo que es del César. Los etxraños tiene una primera hora muy buena. La ambientación, el suspense, la forma de combinar la historia personal de los dos protagonistas con el acecho a su casa por parte de unos extraños es efectista y, lo que es más importante, efectiva. Durante casi una hora esa combinación consigue agobiar y poner en tensión al espectador. El juego del gato y el ratón engancha y, con la ayuda de una incomoda banda sonora, los sustos y las trampas visuales consiguen rozar la maestría.
En ningún momento se habla de la motivación de los acechadores. De hecho en ningún momento se les “ve”. Son como personajes invisibles con la única función de provocar reacciones en sus víctimas. Desde el primer momento se deja claro ese punto. Pero tiene un gran problema, no termina de funcionar. Se cuenta y se insinúa casi todo acerca de los protagonistas buenos, pero los protagonistas malos apenas salen y cuando lo hacen es con la defensa de una máscara. Esto provoca que la historia no termine de avanzar. Casi se puede decir que no empieza. Se vende mucho aire, pero sólo eso.
Lo más preocupante del tema son las reglas del juego que establece el director. Hitchcock decía que cuando el espectador maneja más información que un personaje, lo que se crea es suspense. Y de eso parece saber mucho su director, Bryan Bertino, ya que la primera hora está llena de suspense. Lo que no se puede hacer es dar la vuelta a la bandeja y romper de golpe con el juego que se ha establecido. En los últimos quince minutos los protagonistas pasan a manejar más información que el espectador.

SPOILER Los malos se quitan sus máscaras y los buenos ven sus caras antes de sufrir la tortura. Incomprensiblemente al espectador se le niega ese derecho. FIN DEL SPOILER

Para más INRI, a través de un ineficaz juego visual uno se da cuenta que el director está preparando el susto final, el giro extra. Pero la ineficacia del giro es latente y lo único que provoca es malestar y pena. Malestar, porque está mal “cocinado”. Pena, porque unos penosos últimos quince minutos empañan una muy buena primera hora de suspense. Hay que saber finalizar un relato, sino se corre el riesgo de tirar por la borda lo conseguido con anterioridad. Y Bryan Bertino lo tiró (todo).

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Bella es una historia de amor. Bella es una historia de desamor. Bella es, simplemente, la historia de cómo dos personas que han tocado fondo son capaces de ayudarse para volver a la superficie. A priori uno intuye una posible relación de pareja entre los dos protagonistas aunque pronto se descubre que el amor que aparece en la película hace referencia al amor por la vida, al amor hacia el prójimo.

La historia comienza con José, un jugador de futbol (o soccer para los americanos) que va a dar el salto a un equipo importante a nivel mundial. Su vida promete cambiar de forma increíble. Se puede decir que siendo un hispano en USA, lo que está a punto de conseguir es el sueño (hispano) americano. Pero un dramático suceso hará que su vida cambié por completo y se vea obligado a abandonar ese sueño.

Estamos ante una producción pequeña, independiente. Una de esas películas menores dentro del circuito comercial en el que la única forma de ganarse cierta fama es la propia calidad del argumento. Y esta película lo tiene. Además está muy bien respaldada por unas interpretaciones excepcionales. Tammy Blanchard y Eduardo Verástegui llevan todo el peso de la película. Y la responsabilidad no les pesa. Imaginar a José y Tina con otros rostros sería casi impensable. También hay que reconocer el mérito de Alejandro Gomez Monteverde en su estreno en el mundo de los largometrajes. Trabajo sobrio e intimista, sin caer en pretenciosidad.

Bella no es una película habitual. Hay muchos silencios, muchas pausas. Se trasmiten más sensaciones de las que un principio se aprecian. Es uno de esos Films donde te puedes llegar a sentir incomodo por no encajar todas las piezas, pero cuando captas el mensaje completo, cuando identificas a los personajes plenamente la sensación es muy agradable. No voy a decir que Bella sea una obra maestra. Y no lo es porque su visionado es algo tedioso (la primera media hora es muy lenta), aunque el resultado sea muy satisfactorio. El final consigue cerrar la historia de manera eficaz aunque deja algunas incógnitas (¿Qué pasará a partir de ese momento?). Pero lo que menos convence en dicho final es que a pesar de la elipsis de unos cuatro años, los personajes siguen (físicamente) igual. En ese sentido no es una elipsis eficaz aunque el mensaje llegue de todas formas. Al fin y al cabo eso lo más importante, ¿no?

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Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) quiere destapar a uno de los mayores líderes terroristas sospechosos de estar operando desde fuera de Jordania. Cuando Ferris idea un plan para infiltrarse en su red, debe primero ganar la confianza del astuto veterano Ed Hoffman (Russel Crowe). Aunque es aparentemente su aliado, Ferris se pregunta hasta dónde puede realmente confiar en este hombre sin poner toda su operación, y su vida, en peligro.

Decepcionante, discreta, vulgar… son algunos de los calificativos que me vienen a la cabeza. Aunque el panorama no pinte muy bien, la película no me parece mala. Solamente que después de ver American Gangster te esperas otra película, que te traten de manera inteligente. El mayor problema de Red de mentiras es su guión. No sabes muy bien de que va el conflicto hasta bien desarrollada la historia y al final todo se resuelve de forma abrupta y poco original.

Sobre el tema de la película, creo que no dice nada que no se haya dicho antes sobre como el fin justifica los medios. Creo que con el tiempo puede que en Red de mentiras termine por ver algo que, por ahora, no he visto. Pero esta claro que por encima de una gran película, lo que Ridley Scott ha buscado es forrarse. Con lo que hubiese molado un buen contenido…

Cabe destacar a los actores y sobre todo a unos personajes muy bien tratados e interpretados. Muy bien por DiCaprio y por los archivillanos y socios “un poco malos”. Todo esto aliñado con esa fascinante y paradigmática atmosfera de Ridley.

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Vladimir Nabokov conmocionó al mundo en 1950 con la novela Lolita, en la que mostraba una relación entre un hombre maduro y una jovencita de 12 años. Mayor fue la polémica porque ese hombre, Humbert, era su padrastro y sólo se casaba con su madre para estar cerca de la joven.

Kubrick contrató, en 1962, al propio Nabokov para adaptar esa novela. Los cambios no se hicieron esperar, sobre todo, para evitar un escándalo mayor. Se aumentó la edad de la joven hasta los dieciséis años y se eliminaron todos los contactos explícitos cariñosos o sexuales, dejando todo este proceso a cargo de la imaginación de la audiencia. El resultado es una brillante película realzada por las actuaciones de James Mason y, sobre todo, Peter Sellers. Este último interpreta a Clare Quilty, un emergente escritor que no duda en seducir a Lolita y alejarla de los brazos de su padrastro.

A pesar de ser una muy buena película, sin altibajos, para los que hayan leído el libro la eliminación del contacto o jugueteo entre Lolita y Humbert quita algo de potencial al relato. Por el contrario, Kubrick dota al personaje de Quilty de un aura enigmática que le hace ser más atrayente que en la novela. Lo mejor de esta adaptación es el suspense que se crea a medida que empeora la relación entre padre e hija. El climax se alcanza con una sutil persecución en la que se nos pronostica que algo va a pasar pero sin perder la capacidad de sorpresa.

Lástima que al final se pierda algo de fuerza. Todo por terminar la película de la misma forma como se inicia, por lo que en ese punto se pierde algo de la espontaneidad. Pero lo que desentona realmente es un epílogo que se mezcla con los créditos finales y que no aporta nada. Lástima de estos pequeños contratiempos porque Lolita podía haber sido otra obra maestra de Stanley Kubrick. Aún así es una muy buena adaptación de una gran novela.

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Después de 30 años como compañeros en un estresante departamento de policía de Nueva York, los condecorados detectives Turk (Robert De Niro) y Rooster (Al Pacino) no están preparados para jubilarse. Algunos presuntos criminales han sido asesinados en diferente puntos de la ciudad. La policía sabe que se trata de un asesino en serie porque junto con los cuerpos se encuentran poemas, una pista clara del motivo de los crímenes.
El reencuentro entre dos de los mejores actores de la historia del cine contemporáneo de EEUU era uno de los acontecimientos más esperados por los espectadores de medio mundo. Su reunión y confrontación se salda en empate. No es que ninguno de los dos lo haga mejor que el otro, eso es algo que ni siquiera merece la pena comentar (aunque os puedo asegurar que se esfuerzan más que nunca en sobreactuar). El problema en Asesinato justo es la historia, el guión. Es ,sin duda, un despropósito. Los acontecimientos suceden de forma abrupta y la distancia emocional que la película genera en el espectador consigue que lo que vemos no tenga el menor interés, incluidas las interpretaciones.
Dirige Jon Avnet, director de cierto prestigio aunque más del montón de los sin más que de los buenos. Lo más destacable en su filmografía es la lacrimógena ‘Tomates verdes fritos’. Con eso creo que explico mi comentario anterior. Pero en Asesinato justo Avnet no tiene (toda) la culpa. Si hubiese que culpar a alguien, ese sería Russell Gewirtz. Os preguntaréis, ¿quién es este tío? No es ni más ni menos que el guionista. Lo que más rabia me da no es que la historia y su evolución sea lamentable, sino que este señor sea el responsable del guión de ‘Plan oculto’, la última gran película de Spike Lee. Queda claro que a Gerwirtz le gustan los giros. Pero en Asesinato justo estos giros son exagerados y absurdos. No quiero parecer un destripador, pero si os atrevéis a verla os avergonzaréis con el final. Y más si pensáis en todas las trampas (hacerte creer algo que no es verdad) que se utilizan en la narración. No estoy en contra de la trampas en sí, sólo cuando se utilizan mal. Y creedme, esta película las utiliza muy mal.

Mención aparte merecen los personajes, muy poco perfilados. Lo poco que transmiten son estereotipos de las películas de policías americanos. Apenas se ve relación entre ellos, no se sabe casi nada acerca de sus vidas. Todo es tan superficial que cuando se juntan varios personajes en pantalla, su credibilidad es poca o nula. Cabrea especialmente el caso de Carla Gugino. Su personaje está completamente maltratado y eso se refleja  en que parece no saber como afrontar sus escenas.

Es una lástima que Pacino y De Niro hayan utilizado este flojo (tele)film para reencontrarse, más si lo comparamos con ‘Heat’, su última reunión. La única explicación es que estén perdiendo el gusto o se quieran jubilar indignamente pero con dinero. Y viendo sus últimos proyectos parece que estoy en lo cierto. Tal vez haya sido demasiado duro con esta película, pero las expectativas eran tan altas, que la decepción ha sido aún mayor.

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Mike Leigh es uno de los buenos. Sólo con ver dos de sus películas me siento capaz de sacar esa conclusión. Tras ‘Secretos y mentiras’, film que pude ver hace ya unos 5 o 6 años, no me he vuelto a enfrentar a ningún proyecto de este veterano director, a pesar de las positivas conclusiones que género en mí dicha película. Esas conclusiones mejoraron cuando me pude documentar acerca de las circunstancias de su grabación. Resulta que muchos de los diálogos de Secretos y mentiras fueron, en gran medida, improvisados por sus protagonistas, metidos completamente en su papel, capaces de transmitir lo que sus personajes sentían. Maravillado y asustado por esta información nunca me decidí a ver nada de lo que Leigh había hecho con anterioridad o, incluso, sus nuevos proyectos. Con Happy–go-lucky (título original) he roto esa sequía y he podido confirmar mis sospechas iniciales: Mike Leigh es uno de los buenos (sí, lo digo de nuevo para demostrar que verdaderamente creo en ello).

La protagonista de Happy: un cuento sobre la felicidad es Poppy, una joven profesora de primaria que comparte piso en Londres con su amiga Zoe. Poppy es alegre, divertida y optimista, un espíritu libre que se toma la vida tal y como viene. Ella se siente feliz y ninguna de las personas que la rodean son capaces de cambiar ese sentimiento. La encargada de interpretar a Poppy es Sally Hawkins, capaz de sostener ella solita la historia. Sally está muy bien, casi magistral. Su personaje es complejo, uno de esos que de ser tan simpáticos, tan positivos, pueden llegar a caer mal. Por suerte, en más de una ocasión es capaz de vislumbrar ese abismo y recula, por lo que su interpretación termina siendo buenísima, como la película.

Si hubiese que enmarcar esta película dentro de un género, seguramente sería el de comedia con tintes dramáticos. A pesar de que Polly es una de las personas más positivas que se han podido ver en la gran pantalla, algunos de los personajes que la rodean la obligan a dejar de sonreír, a ponerse seria. Estos momentos nunca son momentos de crisis, sino que refuerzan su personalidad, la convencen aún más de lo contenta que se siente con su forma de ser. El profesor de la autoescuela, Scott, la intenta llevar al límite, intenta que cambie. SPOILER De lo que no se da cuenta el propio Scott es de lo mucho que envidia su forma de ser o, incluso, compartir su vida con una persona así. Por eso se engaña a el mismo y cree ver en Polly a una pretendiente, cuando ella nunca actúa de tal forma. FIN DEL SPOILER Otro personaje como su hermana más pequeña, casada, embarazada y con su propia casa y plan de pensiones la “invita” a madurar. Por suerte Polly sabe muy bien lo que quiere y a sus treinta años siente que la felicidad no implica casarse, tener hijos, o comprar una casa. La felicidad es tan subjetiva que cada uno la imagina y siente de una forma y, para Polly, la vida de su hermana pequeña no es lo que ella siente como una vida feliz.

A modo de conclusión se puede decir que Happy-go-lucky es una de esas películas tapadas. Uno no se entera de su existencia a no ser que rebusque mucho en la cartelera o el videoclub. La distribución de una película no suele estar supeditada a su calidad. Si fuese así, este film hubiese sido promocionado en medio mundo. Por suerte ese no es el objetivo de su director. Sospecho (y casi aseguro) que lo que Mike Leigh persigue es transmitir lo que yo he sentido al ver su Happy-go-lucky, algo que he intentado plasmar en estas líneas y que, como la propia distribución de la película, llegara a muy pocos, pero seguro despertará curiosidad por comprobar si estoy en lo cierto o no. No dudéis en comentar si compartís mi opinión o no.

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P.D: Y yo me pregunto: ¿Cuántos de los diálogos de esta película fueron improvisados?

Dennis (Simon Pegg) es un tío normal. Está un poco gordo y fuma, pero es buena persona, encantador y sencillo. Sin embargo, hace cinco años, Dennis dejó a su embarazada novia plantada en el altar. Cinco años después se da cuenta de que ha cometido un gran error.

Es una sorpresa comprobar como el actor David Schwimmer se confirma como realizador con un largometraje de cierto relumbrón. Después de varios telefilms, películas menores (‘Desde que os fuisteis’) y episodios sueltos de series de bastante prestigio como ‘Joey’ y ‘Little Britain’, el simpático actor, recordado por su papel de Ross en ‘Friends’, parece demostrar que la comedia es lo suyo. Esperemos que siga esta línea ascendente, demostrando que como director puede hacerse un hueco en la industria.

Lo primero que llama la atención en Corredor de fondo es su cartel. Un solo vistazo es suficiente para intuir que estamos ante la típica película hecha por y para el lucimiento de su protagonista. Tras ver apenas diez minutos se confirma la teoría. Afortunadamente, en este caso eso no es un hándicap. Simon Pegg borda su papel de perdedor con buen corazón. El carisma del personaje y su relación con los secundarios (mejor amigo, hijo, ex novia y novio de su ex novia) es lo que sostiene la historia.

El resultado final es aceptable. No es la comedia del año, pero entretiene. El simple hecho de que el protagonista cambie en algunos aspectos concretos pero en conjunto siga siendo el mismo perdedor del principio es muy interesante. En ese sentido Corredor de fondo se aleja de uno de los grandes clichés de la comedia inteligente de hoy en día: no es necesario un cambio drástico para que una persona madure. Ese aspecto y los momentos gracioso-emotivos que nos brinda Simon Pegg son los que hacen de este proyecto un film interesante. Si hubiesen profundizado en la relación de Dennis con su ex novia, el resultado sería notable.

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Al descubrir que su marido tiene una amante, Yeon decide visitar a un preso desconocido (Jin) cuyos continuos intentos de suicidio han sido noticia en la televisión. Jin no tiene visitas y, normalmente, rehusaría ver a un desconocido, pero al enterarse de que se trata de una mujer, acepta por curiosidad. Su primer encuentro no es fácil. Yeon le habla como si fueran amigos, pero Jin no se abre tan fácilmente.
Con esta atractiva premisa comienza Aliento (Breath), la última película de Kim Ki Duk estrenada en España, a la espera de Dream (se estrenó el 9 de octubre en Corea del Sur), último proyecto de este visionario cineasta, recientemente venido a menos, aunque siempre con algo interesante que compartir.
Lo primero que hay que destacar es que Aliento está muy por debajo del resto de su filmografía. El principal problema es que una historia tan poco habitual como la que se nos presenta termina convirtiéndose en previsible y torpe. Las metáforas que utiliza para relatar el avance de los personajes son simples y, de nuevo, muy previsibles. Como ejemplo de todo esto tenemos la escena de la camisa (primero sí, luego no). Es una pena porque los actores están soberbios, especialmente Ji-a Park en su papel de mujer engañada y triste, abandonada afectivamente por su marido y sólo capaz recuperar la sonrisa en compañía de un preso.

Debo confesar que una película mediocre de este director es una buena película en mucho de los directores del panorama actual (Hierro 3 es simplemente genial), por lo que se merece un aprobado raspadito. Recomendable si te apetece ver un cine que te haga pensar y sentir y todo lo contario para los que no aguantan películas con un ritmo lento, de las que aún sin apenas diálogos hay que estar atento a los gestos, tics, miradas y demás elementos con los que juegan sus intérpretes, sin duda lo mejor de la película.

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